Gaetano Pesce : "Les maisons de mode ont tout mon respect"
Après Los Angeles en février, c’est au musée Oscar Niemeyer de Curitiba au Brésil, au mois de juin, que Gaetano Pesce sera en tête d’affiffiche d’une importante rétrospective.
Diplômé en architecture à Venise, il l’a ensuite enseignée à Strasbourg, Pittsburgh, à la Domus Academy de Milan, à Hong Kong, São Paulo et New York. Ses œuvres font partie des collections permanentes d’une trentaine de musées parmi les plus célèbres du monde, du MoMa au Metropolitan, du V&A au Centre Pompidou en passant par Vitra. Dès la fin de ses études, Pesce a commencé à expérimenter le polyuréthane, la mousse et la résine, car il trouvait absurde de travailler avec des matériaux qui n’étaient pas strictement contemporains. Et ce sont ces matériaux, avec leurs couleurs, leur sensibilité tactile, leur capacité à réagir à la lumière et leur finition artisanale, qui attirent l’attention et lui donnent une identité dans l’imaginaire collectif, même si au cours de sa très longue carrière (il est né à La Spezia en 1939 et a commencé à exposer ses œuvres à l’âge de 18 ans), il a exploré une infinité de voies et de média différents.
L’OFFICIEL : Aimez-vous les rétrospectives ? Vous arrive-t-il de redécouvrir, dans ce contexte, des aspects de votre travail et de vos œuvres que vous aviez “oubliés”?
GAETANO PESCE : J’aime les rétrospectives parce qu’elles satisfont mon désir de faire connaître ce que je fais. Quant à mes travaux passés, j’essaie de les éviter. À Brooklyn, où se trouve mon atelier, il y a une pièce consacrée aux travaux finis, bien rangés et exposés pour les visiteurs : je ne mets jamais les pieds dans cette pièce, pour éviter que le passé n’interfère avec mon avenir.
L’O : Pourquoi avez-vous choisi New York dans les années 80? Et Brooklyn ? Et que représente le Brésil pour vous ?
GP : New York, et en particulier Brooklyn, est sans doute la ville où la créativité des habitants inspire des façons de parler, de s’habiller, des comportements qui appartiennent à la sphère du réel. Après quelques années, ces façons de faire sont assimilées par d’autres populations dans le monde, deviennent des modes, parfois malheureusement avec une certaine superficialité. New York est sans doute le lieu le plus réceptif aux valeurs de l’époque, celles qui arrivent, celles qui restent : mon travail consiste à les observer et éventuellement à en faire les sujets de mon travail. Un exemple : la marionnette soutenue par des cordes, sujet d’une de mes peaux industrielles – un dessin mural fait d’une matière liquide qui se solidifie très vite –, dit “il n’y a que ce personnage ridicule qui croit encore à l’égalité”. Je suis convaincu que cette croyance n’appartient pas à ceux qui connaissent bien New York. Je ne vis pas à Brooklyn, mais mon atelier, pour des raisons économiques, s’y trouve. Alors que mon bureau est à Manhattan, sur Broadway, entre les rues Prince et Spring. Ma maison, en revanche, fait face à l’East River, car j’ai toujours aimé la mobilité de l’eau, ses différents éclats, la richesse de ses couleurs : quand on la regarde, elle reflète le ciel. Je connais le Brésil mieux que d’autres pays parce que j’ai eu l’occasion de le fréquenter pendant de nombreuses années, et je crois que la phrase de De Gaulle prononcée lors d’un discours au parlement de Brasilia, “le Brésil est le pays de l’avenir et le restera”, a été oubliée. Le Brésil est un pays qui cherche son avenir en effet, parfois il réussit, parfois il échoue, mais toujours avec créativité. C’est cela qui m’attire, au-delà de la gentillesse de ses habitants.
Les maisons de mode s’intéressent aujourd’hui au monde de la créativité profonde, et pour cela elles ont tout mon respect.
L’O : Êtes-vous un visiteur d’expositions et de musées? Quels sont les artistes/architectes/concepteurs industriels qui vous ont le plus frappé?
GP : Je ne fréquente ni les musées ni les galeries d’art, je m’intéresse davantage à la réalité qui ne raconte pas de mensonges. Les artistes et créateurs du passé m’intéressent davantage. Je pense notamment à ceux qui utilisaient différents moyens d’expression comme la poésie, la musique, la science, la sculpture, la peinture et l’architecture. Eux m’ont toujours dit que l’expression n’a pas de barrières, pas de contours, pas de limites. Aujourd’hui, je me demande : si Borges avait écrit à Stockholm au lieu de Buenos Aires, ses livres auraient-ils été différents? En d’autres termes, la créativité a-t-elle quelque chose à voir avec le lieu où elle prend forme? Un architecte d’aujourd’hui doit-il tenir compte du langage à utiliser selon l’endroit où il construit, sachant que chaque lieu mérite un récit différent? Nous entrons ici dans le grand problème de la diversité, et je voudrais vous rappeler que la famille des pins présente de nombreux exemplaires différents, tout comme les roses, et de la même façon les personnes et les lieux, et celui qui professe que les humains sont tous les mêmes le fait pour opprimer, pour imposer une dictature. Pour en revenir à la question, je pense que Frank Gehry mérite qu’on s’en souvienne, car c’est un sculpteur de formation qui a épousé l’architecture et a apporté des progrès très intéressants dans ce domaine. Pour ma part, je pense que cet art extraordinaire devrait enfin s’affranchir du style international, désormais obsolète, et embrasser des représentations qui permettent la compréhension de chacun à travers la figure. L’architecture a besoin d’être aimée parce qu’elle sait sourire, elle sait exprimer des humeurs, elle sait rendre les gens heureux, et elle a besoin d’ouvrir ses secrets à un monde qui comprend la figuration.
L’O : De Pierre Cardin à Louis Vuitton, de Matthieu Blazy à Massimo Giorgetti, vous êtes une source d’inspiration pour la mode. Qu’est-ce qui vous intéresse dans cette relation? Par exemple, quels éléments de Bottega Veneta avez-vous pris en considération lors de la conception des sièges pour le défilé printemps-été 2023?
GP :Je suis convaincu que les musées n’ont plus la liberté économique d’accueillir de nouvelles idées. Les galeries d’art ont plus ou moins le même problème. Je crois comprendre que les maisons de mode s’intéressent aujourd’hui au monde de la créativité profonde, et pour cela elles ont tout mon respect. Elles peuvent faire ce que les autres institutions culturelles ne peuvent pas faire, et c’est ce qui s’est passé avec Bottega Veneta et le créateur Matthieu Blazy. Avec lui, j’ai trouvé un grand respect pour mes idées, ce qui était réciproque. J’ai pu exprimer ce que je pense être un concept politique d’une extrême urgence, et ce à travers la mode, qui est un diffuseur d’idées très puissant et efficace. Le thème que j’ai proposé, la diversité, a été, je crois, compris par le monde entier. J’en ai été satisfait et je pense que mon client et mécène l’a été également. À l’avenir, je pense que ce que j’ai expérimenté avec Bottega Veneta sera étendu à d’autres collaborations avec d’autres créateurs qui, je l’espère, éviteront la décoration, les cosmétiques et les contenus inutiles, et qui aborderont une réalité à laquelle je crois, à savoir que l’art est une expression du temps et un commentaire de la réalité.
L’O : Comment définiriez-vous votre style personnel ?
GP : À l’aide d’un concept : l’incohérence. Les valeurs véhiculées par le temps en font disparaître d’autres. Cette succession ne nous permet pas la cohérence. Si nous voulons comprendre les nouveaux contenus et abandonner les anciens, nous devons assumer l’incohérence et, avant toute chose, nous libérer de nos propres préjugés. Au cours des siècles passés, la lenteur du temps permettait aux créateurs de n’utiliser qu’un seul langage tout au long de leur vie, grâce auquel ils étaient reconnaissables. À notre époque, où les valeurs et les choses sont caractérisées par la rapidité, ce maintien d’un langage continu se réduit à des années, des mois voire des semaines. En d’autres termes, l’incohérence nous enrichit et nous permet d’être de fins connaisseurs de notre époque, libérés de nous-mêmes.
L’O : En choisissant la résine comme matériau contemporain, avez-vous le sentiment d’avoir exploré toutes ses possibilités ?
GP : La résine est l’un des matériaux que j’utilise, mais ce n’est pas la seule. D’autres matériaux m’intéressent comme les silicones, les mousses ou les élastomères. Je pense que les créateurs qui utilisent des matériaux contemporains témoignent de leur époque, et ceux qui utilisent des matériaux traditionnels tels que le bois, le métal, la pierre, ne peuvent, selon moi, représenter notre époque.
L’O : Y a-t-il une relation entre votre Mamma Chair (nom officiel Up5 et qui, en 2019, pour en célébrer les 50 ans, a été placée, en version géante et percée de flèches, avec UP6, un pouf sphérique avec une corde attachée, sur la Piazza del Duomo à Milan) et les Nanas de Niki de Saint Phalle ?
GP: Niki de Saint Phalle était une excellente plasticienne qui utilisait la gaieté, la légèreté, la joie. J’utilise moi aussi ces caractéristiques. Mais avec UP 5 et 6, en réalité j’ai exprimé des valeurs non joyeuses, soutenant que les préjugés de l’homme et ses discours empêchent les femmes d’être elles-mêmes. Depuis que j’ai fait cet objet, cinquante-trois ans se sont écoulés et malheureusement, dans de nombreux pays, la femme est encore victime de violences et d’inégalité sociale. Ma conviction, en voyant la pauvreté de certains hommes politiques dans différents pays du monde, est que l’homme, après les contributions qu’il a apportées dans l’histoire, est aujourd’hui fatigué. La femme, qui jusqu’à récemment était confinée dans les limites de la sphère privée, s’ouvre aujourd’hui à l’aspect public des choses, pour le plus grand bien du monde. N’oublions pas que, symboliquement, le signe de l’homme est une ligne droite, peut-être de cohérence, tandis que le symbole de la femme est au contraire une ligne brisée, rappelant la fluidité de son comportement, qui ressemble à la fluidité de notre époque où les valeurs alternent, se contredisent, apparaissent et disparaissent comme les vagues de la mer.
L’O : Comment votre collaboration avec Cassina et B&B Italia a-t-elle influencé votre travail ?
GP : Quand Cesare, le propriétaire de Cassina et copropriétaire de ce qui s’appelle maintenant B&B Italia, était en vie, j’étais écouté par un entrepreneur d’une grande clairvoyance. À l’époque, et encore aujourd’hui, je soutenais que les entreprises doivent également fabriquer des produits banals afin de les vendre et d’en tirer l’avantage économique qui leur permet d’exister. Une partie des bénéfices doit être utilisée pour l’expérimentation. À l’époque de Cesare Cassina, j’ai eu l’occasion de créer la société expérimentale Bracciodiferro, et de créer la première série de produits non homogènes même s’ils étaient en série, pas identiques mais similaires les uns aux autres, et avec B&B j’ai pu réaliser UP 5 et 6, et avec Cassina la série Sit Down, le premier produit d’une série aléatoire. Aujourd’hui, les mêmes industries (notamment Cassina) sont soucieuses d’investir dans des produits innovants. Je me souviens du canapé Tramonto à New York, qui raconte l’histoire de la décadence possible d’un lieu, et de paravents qui aident à s’endormir. Mes collègues, malheureusement, ne poussent pas l’innovation, et le design italien en souffre. J’ai dénoncé à plusieurs reprises la décadence de la créativité italienne dans ce domaine, et suggéré au ministre de la culture de trouver des solutions, comme établir qu’un pourcentage du chiffre d’affaires des entreprises soit consacré au financement de l’expérimentation.
La diversité nous aide à communiquer avec ceux qui ont une opinion différente de la nôtre, l’égalité nous oblige à nous taire.
L’O : L’Organic Building d ’Osaka est considéré comme l ’une des œuvres fondatrices de l’architecture verte. Comment réinventeriez-vous le projet aujourd ’ hui, qu’y ajouteriez-vous ?
GP : J’ai un projet qui date de plusieurs années, la Tour Pluraliste (1987), qui envisageait une colonne d’habitations où chaque étage était conçu par un architecte différent (peut-être les 40- 50 meilleurs architectes du monde). Leur diversité représentant les différences de ceux qui habitent leurs espaces. Le projet prévoyait une colonne de logements divers, au milieu une colonne d’ascenseurs et d’escaliers, et à côté une colonne de jardins privés à chaque étage. Je n’ai pas réalisé ce projet, car il était probablement trop en avance sur son temps. Mais récemment, l’intérêt pour la Tour Pluraliste a refait surface dans une ville du Brésil. C’est une ville gouvernée dans le respect de l’écologie et où peut-être mon œuvre sera réalisée, ou peut-être pas... mais si ce n’est pas le cas, ce sera fait dans le futur car nous devons nous rappeler que l’architecture d’aujourd’hui, le style international, que nous voyons dans toutes les villes, sans distinction ni caractérisation du lieu où elle se trouve, est un symbole de totalitarisme, alors que la Tour Pluraliste est un exemple de démocratie.
L’O : Quelles sont, selon vous, vos œuvres les plus intéressantes ?
GP : La Tour Pluraliste, les UP 5 & 6, la lampe Tchador, les vases représentant le ventre maternel, etc.
L’O : Quelle est la question que vous aimeriez que vos œuvres soulèvent dans le public?
GP : Je pense que la chose la plus importante est le désir de connaissance, si mon travail l’éveillait, ce serait justifié. Réfléchir sur le sens de l’art est un besoin urgent pour comprendre notre époque. L’art avec des poissons dans des vitrines de musées d’art contemporain me laisse extrêmement sceptique. L’humanité possède une caractéristique très importante, la capacité de penser, mais je ne vois pas cet immense don très répandu.
L’O : Pensez-vous que le concept de “temps de la diversité” (d’après le nom de la rétrospective au Maxxi à Rome en 2014) soit la clé la plus actuelle de notre présent ?
GP : J’en suis convaincu, non seulement de ce moment historique, mais aussi de ceux qui suivront. Le différent possède les meilleures qualités de l’être unique. Je me permets de rappeler que le temps des copies est derrière nous, et que l’avenir est fait d’originalité. En 1975, avec Cassina justement, j’ai expérimenté pour la première fois une production en série de fauteuils et de canapés, tous différents et semblables les uns aux autres, elle s’appelait Sit Down. Cela n’a pas été compris, peut-être parce que c’était trop en avance sur son temps. La diversité devrait être une valeur comprise par les politiciens, qui, au contraire, continuent à se leurrer en faisant des lois égales pour tous, alors que la démocratie, c’est le respect et la défense de la diversité. La diversité nous aide à communiquer avec ceux qui ont une opinion différente de la nôtre, l’égalité nous oblige à nous taire. La pire chose qui puisse arriver à une société, c’est la perte du droit à la parole, à l’expression de ses convictions, car si ce droit disparaît, le monde perd de sa valeur, et la vie aussi.
